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jueves, 31 de diciembre de 2009

ALLMAN BROTHERS, AT FILLMORE EAST

THE ALLMAN BROTHERS "AT FILLMORE EAST" IS THE WINNER OF TWM QUEST FOR THE BEST LIVE ALBUMS OF ROCK

Pocas sorpresas, por no decir ninguna, ha arrojado la votación de los visitantes y amigos de ThatWasMusic a la hora de elegir los mejores álbumes en directo de la historia del rock. La duda, si alguna cabía, era dilucidar si la balanza terminaría por decantarse del lado ocupado por la formidable banda sureña liderada por Duane y Gregg Allman, o bien por los legendarios Deep Purple. Sólo dos votos han separado a los primeros de los segundos en la encuesta. "At Fillmore East" (1971) y "Made in Japan" (1972) brillaron en una década que supondría la mayoría de edad para el rock; un tiempo de absoluta creatividad y libertad que permitió a muchas bandas dar rienda suelta a sus ideas y a su talento. Lo que se recogía en estudio era sublimado en directo, sin artificios, de forma honesta. El "Live Album" suponía, por tanto, una suerte de reválida, la prueba de fuego para aquellos que aspiraban a habitar en el Olimpo del Rock. Si no puedes mejorarlo sobre un escenario, no sirves. Ese parecía ser el lema. La modalidad, que había sido inaugurada por grupos como The Who, con su demoledor "Live at Leeds" (1970), o por Crosby Stills, Nash & Young, con el inenarrable "Four Way Street" (1971), llegaría a su cénit con el legendario triple LP "Yessongs" (1973), ampulosa producción de Yes, indiscutibles reyes del rock progresivo, y con "The Songs Remains the Same" (1976) de Led Zeppelin. Estas dos últimas obras vieron la luz acompañadas por películas de igual título. Los setenta fueron, en definitiva, la década mas asombrosa desde el punto de vista escénico. El rápido desarrollo de la tecnología –en cuanto a amplificación e iluminación, desarrollo de nuevos instrumentos (sintetizadores) y sistemas de grabación móviles– abocó a las grandes bandas a emprender tours cada vez más extensos y costosos. No siempre el éxito comercial acompañó esas giras mastodónticas; baste recordar cómo Emerson, Lake & Palmer acabaron, paradójicamente, arruinados en plena gloria wagneriana. Los excesos siempre se pagan. Los discos que hoy presentamos son paradigma y arquetipo de todo lo dicho. Verdaderas obras de arte con las que inauguramos 2010, un año en el que todos debemos intentar comprar cuanta música nos sea posible. No hay placer equiparable al coleccionismo. No olvidéis nunca eso. Sed felices.

War of the Classics
BEST LIVE ALBUMS

Resultado de la encuesta Número de votantes: 90. Total de votos otorgados: 450

1. Allman Brothers Band "At Fillmore" - 40 votos (44%) 2. Deep Purple "Made in Japan" - 38 votos (42%) 3. Led Zeppelin "The Song Remains the Same" - 31 votos (34%) 4. The Who "Live at Leeds" - 26 votos (28%) 5. Yes "Yessongs" - 24 votos (26%) 6. Neil Young "Live Rust" - 20 votos (22%) 7. Pink Floyd "Pulse" - 20 votos (22%) 8. C,S,N & Y "Four Way Street" - 18 votos (20%)

JUST FOR TESTING PURPOSES
(All these links belongs to other music blogs and websites Todos estos links han sido hallados en otros blogs y webs musicales)

1. Listen The Allman Brothers "At Fillmore" 2. Listen Deep Purple "Made in Japan" 3. Listen Part 1 and Part 2 Led Zeppelin "The Songs Remains the Same 4. Listen The Who "Live at Leeds" (Password: lyricalsolace) 5. Listen Part 1 and Part 2 Yes "Yessongs" 6. Listen Neil Young "Live Rust" 7. Listen Part 1 and Part 2 Pink Floyd "Pulse" 9. Listen Part 1 and Part 2 C,S,N & Y "Four Way Street"

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lunes, 14 de diciembre de 2009

JUSTIN HAYWARD, BLUE GUITAR

"THE VIEW FROM THE HILL" IS A MUST NOT ONLY FOR JUSTIN HAYWARD/MOODY BLUES FANS, BUT FOR ANY SERIOUS COLLECTOR. A TIMELESS MASTERPIECE. A HAND FULL OF BEAUTY.

No creo que un artista de la talla de Justin Hayward necesite de largas presentaciones. Todo el mundo sabe que es una de las piezas básicas y fundamentales de esa querida, casi entrañable, formación británica responsable de alguna de las canciones más célebres y amables de la historia del pop sinfónico, los Moody Blues. Hayward, en solitario, ha estampado su firma a unos cuantos discos maravillosos. Baste recordar el clásico "Blue Jays", junto a su compañero John Lodge, en 1975, o el magnífico "Songwriter" (1977). Durante los ochenta completó tres más ("Nightflight", "Moving Mountains" y "Classic Blue"), todos sumamente recomendables. El disco que hoy presentamos en ThatWasMusic es su único trabajo de estudio durante los años noventa. "The View From The Hill" (1996), es sin duda alguna la cumbre de su carrera como solista; una maravilla que hace difícil que el propio Hayward pueda batir el listón en el futuro. Aunque con su talento nunca se puede afirmar algo así de modo categórico. Los que conozcan este trabajo nos darán la razón. Un puñado de canciones bellísimas, muchas de ellas baladas al más puro estilo Moody Blues, excelemente producidas, mimadas en todos los detalles y arreglos, con unas letras formidables y un artista en plena forma, en el cénit de su carrera, cantando como nunca. "The View from the Hill" es un álbum introspectivo, poético, otoñal, emocionante. Un disco que enamora desde la primera audición y que gana terreno en el ánimo así se suceden las escuchas. Sencillamente, una obra ante la que hay que sacarse el sombrero. Pop de lujo, refinadísimo, con clase. No te lo pierdas bajo ningún concepto. Escúchalo y búscalo. Puedes comprarlo online fácilmente. Recuerda que te lo recomendó TWM, un blog que sólo se entretiene en lo sublime. Que a estas alturas de partido ya no estamos para bagatelas ni mediocridades.

More information:
Página Oficial de Justin Hayward Mas información en All Music Comprar "The View From The Hill" u otras obras del artista



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viernes, 4 de diciembre de 2009

GENTLE GIANT, A TASTE OF GLORY

"WE WANT TO EXPAND THE FRONTIERS OF CONTEMPORARY POPULAR MUSIC AT THE RISK OF BECOMING VERY UNPOPULAR"

La mejor forma de definir en pocas palabras a Gentle Giant es utilizar una declaración de principios que les animaba en los años setenta, y que aparecía en las notas interiores de su álbum "Acquiring the Taste": "Pretendemos expandir las fronteras de la música popular contemporánea aun a riesgo de hacer cosas impopulares". Los que conozcan bien a esta extraordinaria banda –sin duda alguna la más original, ecléctica, sorprendente y vanguardista del rock progresivo– entenderán la frase perfectamente. Gentle Giant eran fascinantemente complejos e imbricados, superando los gustos, patrones y planteamientos habituales del Art Rock de su tiempo, lo que ya es decir. Para los que desconozcan la incomparable música del Gigante Gentil y necesiten referencias, sólo podríamos decir que mezclaban la electricidad del rock; la atmósfera plácida del folk; la aventura sin patrón ni limitación del jazz; las armonías propias de la música clásica; sonidos y melodías medievales; aires juglarescos; arreglos de cuerda propios de un cuarteto de cámara; delirantes juegos y acrobacias vocales a cappella, y un sinfín de recursos estilísticos que provocan asombro incluso en la actualidad. Su concepción musical era tan adelantada a su tiempo que a día de hoy sigue vigente, vigorosa, fresca. Eran magos de lo imposible, del más difícil todavía. Más que tocar, jugaban, dialogaban entre ellos, deconstruían una melodía hasta quebrarla, sólo para volver a pegar los trozos un minuto más tarde, aunque en un nuevo orden silábico. Su dominio instrumental era sencillamente apabullante. En una pieza podían confluir guitarras eléctricas, acústicas, bajo, batería, percusiones, sintetizadores, flautas, violín, violoncello, xilofón y una avalancha de voces y coros ejecutando acrobacias impensables. Durante la segunda mitad de los setenta simplificaron sus planteamientos, buscando un sonido más comercial. Por esa razón, los discos editados entre 1976-1980 (de "Interview" a "Civilian"), si bien son interesantes y válidos, no revisten ni poseen el atractivo de los que hoy presentamos en ThatWasMusic: siete trabajos de estudio, fascinantes, y un excelente doble álbum en directo. Gentle Giant nunca superaron el listón comercial impuesto por bandas coetáneas como Genesis, Yes, E,L&P o King Crimson, pero rubricaron para la historia un legado sin parangón, que les sitúa en una categoría reservada sólo a virtuosos y pioneros de un territorio musical inexplorado, vetado para la inmensa mayoría.

More information:

Gentle Giant Official Page Gentle Giant en All Music Comprar álbumes de Gentle Giant

Just For Testing Purposes:

Listen "Gentle Giant" (1970) Listen "Acquiring the Taste" (1971) Listen "Three Friends" (1972) Listen "Octopus" (1972) Listen "In A Glass House" (1973) Listen "The Power and the Glory" (1974) Listen "Free Hand" (1975) Listen "Playing the Fool-Official Live" (1977), part One and part Two

All these Links belongs to buscabusca; except "Acquiring the Taste", found in Taringa, and "In A Glass House", found in Oidale-Rock

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lunes, 30 de noviembre de 2009

JIMI HENDRIX, BEST ROCK GUITAR

ALMOST 40 YEARS AFTER HIS DEATH, JIMI HENDRIX IS STILL THE ABSOLUTE KING OF GUITAR

La segunda votación de los amigos y visitantes de ThatWasMusic a la hora de elegir al mejor guitarrista de todos los tiempos no ha deparado muchas sorpresas. A pesar de los años transcurridos desde su muerte, en 1970, Jimi Hendrix sigue siendo, para la inmensa mayoría, el gran héroe de la guitarra. En su breve e intensa carrera grabó tres álbumes oficiales; arrasó en Monterrey y en Woodstock; deconstruyó el himno de Estados Unidos; consiguió hacer llorar y cantar a su guitarra, que parecía formar parte de su cuerpo, como un miembro más. Aun ardiendo, quemada, seguía gimiendo, acoplándose, prometiéndole fidelidad. Jimi fue el rey del wha-wha, del feedback, de la retroalimentación; su forma de tocar era absolutamente pagana, ritual, excesiva, delirante. Cada vez que le veo en filmaciones de época me asombro y entiendo el hecho de que publicaciones como Time o Rolling Stone le consideren el mejor guitarrista de la historia del rock. Hace sólo tres días, a sus muchos títulos se ha añadido uno más: la página Music Radar convocó una encuesta para decidir cuál era el mejor riff de guitarra de la historia. Probablemente "Layla", el desaforado grito de amor de Clapton, cosechó muchos votos, pero "Woodoo Child" se alzó en el podium de forma contundente. Lo mismo ha pasado en nuestro sondeo. Una vez más, Hendrix se muestra imbatible. Su trono sigue vacante.

Resultados de la votación
"War of the Classics - Mejor guitarra de la historia del rock"
Votantes: 147 personas.
Votos totales otorgados (5 por persona): 735

1. Jimi Hendrix (97 votos) 2. Eric Clapton (60) 3. Jimmy Page (59) 4. Frank Zappa (37) 5. Steve Ray Vaughan - David Gilmour (34) 6. Carlos Santana (33) 7. Jeff Beck (31) 8. Duane Allman - Steve Howe (22) 9. Robert Fripp (21) 10. Mark Knopfler (19)

Más información:
Página Oficial de Jimi Hendrix
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Just for Testing Purposes:
The Jimi Hendrix Experience (4CD)
Listen CD1-CD2 Listen CD3-CD4
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viernes, 27 de noviembre de 2009

J.J. CALE, CAJUN MOON

MAGNOLIA YOU SWEET THING, YOU´RE DRIVING ME MAD. GOT TO GET BACK TO YOU, BABE. YOU´RE THE BEST I EVER HAD...

Si un artista ejemplifica la fidelidad a un estilo y a un modo de hacer las cosas, ése es J.J.Cale. Me enganché a su música en los setenta, con sus primeros álbumes. Cuarenta años después, "Naturally", "Troubadour", "Okie" o "Shades" siguen animando las horas del día y de la noche. Son clásicos incombustibles por los que no pasa el tiempo en absoluto. Algunas discografías no resisten el paso de las décadas, suenan trasnochadas, añejas; no soportan una revisión a fondo. Los discos de Cale, sin embargo, cabalgan sobre modas y tendencias. Son atemporales. Y desde el primero hasta el último hacen gala de una coherencia temporal, sin fisuras, en bloque. Maestro y mejor representante del llamado "Tulsa Sound" –mezcla de country, rockabilly, blues y jazz–, Cale es un tipo tranquilo, que aborrece las giras, huye de los medios de comunicación, y se zafa del servilismo que conlleva la fama. Lo suyo es, usando una licencia casi poética, rasgar su acústica en un porche, al anochecer, mientras una oronda y pálida luna cajun se eleva en el cielo y los chacales aullan al borde del desierto. Es así aunque pueda sonar tópico. Tal vez por eso, por su poca predisposición a las concesiones, el mundo tuvo que esperar a que fuera Eric Clapton el que popularizara dos de sus temas más célebres –"Cocaine" y "After Midnight"– para reverenciarle. Su estilo es puro "laid back", pulsación contenida, acordes sencillos, punteos breves y concisos, al servicio de una voz perezosa, que huele a cazalla y denota insomnio; que narra historias de amores y viajes por interminables rectas que no conducen a ninguna parte. Cuando Cale musita una de sus baladas desasidas –y pienso en la magistral "Magnolia"–, el cielo se congela y las estrellas se apagan. Tras cuatro décadas impertérrito, defendiendo un bastión que le pertenece por derecho, un área en la que nadie puede hacerle la más mínima sombra, Cale continúa cosechando premios y grabando, cuando le apetece y con quien le apetece, joyas como ese "Road to Escondido" junto a su viejo amigo Clapton. Da gusto ver a músicos así. Son leones rugiendo en el otoño de sus carreras.

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Página Oficial de J.J. Cale
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Just for Testing Purposes
Listen "Naturally" (1971) Listen "Really" (1972)
Listen "Okie" (1974) Listen "Troubadour" (1976)
Listen "5" (1979) Listen "Shades" (1981)

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miércoles, 18 de noviembre de 2009

JOHN CALE, TOUJOURS PARIS

"NOTHING FRIGHTENS ME MORE THAN RELIGION AT MY DOOR..." (PARIS 1919. JOHN CALE)

No creo que nadie, a estas alturas, necesite una introducción o un esbozo biográfico de John Cale, cincuenta por ciento de la Velvet Underground, junto a su compañero Lou Reed. Confieso que a excepción de algunos álbumes que siempre me han gustado –"Transformer", "Rock´n´Roll Animal" o "Berlin"–, nunca he sido un incondicional de Reed. Todo lo contrario de lo que me ocurre con John Cale. Supongo que esto es debido a que Cale es un músico y compositor que jamás ha dejado de sorprenderme. Puede fluctuar entre el rock, el pop, la música de vanguardia, la música clásica o la electrónica. O bien mezclarlo todo. Quizá simplemente sentarse ante un piano y cantar como pocos pueden hacerlo. Tal vez dirigir un coro, o componer música de cámara para cuarteto de cuerda. Dicho de otro modo: John Cale es un prestidigitador capaz de sacar de su chistera algo nuevo en cada ocasión. Por si esto fuera poco, es un músico de corte, inspiración y temperamento europeo; un músico que hace musica "culta", aunque el disco en cuestión se mueva en los parámetros del pop más accesible. Recuerdo que en los setenta tuve que comprar más de una vez muchos de sus LP´s. Concretamente algunos de ellos –"Fear" o "Slow Dazzle" para el sello Island– sonaban a todas horas, de día y de noche, y a pesar de los cuidados acabaron deshechos. "Paris 1919", grabado en 1973 para el sello Reprise, es sin lugar a dudas su obra más conocida, posiblemente la más perfecta, la más impoluta. También es mi favorita. Nueve temas imbatibles, elegantes, de pop clásico, arreglo sinfónico e inspiración parisina; letras que son literatura; atmósfera introspectiva, que produce escalofríos y convoca a la soledad como compañera de viaje. Todo en "Paris 1919" es monumental e impresionante. Uno se siente en un tren, en mitad de Francia, contemplando un paisaje invernal, desapacible, o haciendo redoblar un tambor en medio de los Campos Elíseos arropado por una orquesta de cuerda, o tomando un té con Graham Greene. En resumen: "Paris 1919" es un disco de Arte y Ensayo, lleno de melodías inolvidables y textos memorables. En 2006 se reeditó en forma de doble álbum, incluyendo ensayos o versiones alternativas. Y hace sólo dos días, el 21 de noviembre, el público de Cardiff, en Gales, tuvo la inmensa suerte de poder asistir a un concierto especial, en el que John Cale y su grupo, más una orquesta, ofrecieron la totalidad de esta obra clásica, que no puede faltar en ninguna colección que se precie de serlo. Escucha esta joya, y después, cómprala. De nada.




Página oficial de John Cale
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Listen "Paris 1919"

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DAEVID ALLEN, TAKE A TRIP

THE MUSIC OF DAEVID ALLEN IS THE BEST KEY TO ENTER A WORLD IN WHICH EVERYTHING IS POSSIBLE. LIKE ALICE, TAKE A TRIP TO THE REALM OF FANTASY...

El caso de Daevid Allen –cantante, guitarrista, poeta, compositor y showman– es peculiar, realmente curioso. Posiblemente no haya otro caso como el suyo en toda la historia del rock. Este genial beatnick, que ofrecía ositos de peluche a la policía francesa durante las revueltas estudiantiles de mayo de 1968 en París, estuvo involucrado en algunos de los grupos y aventuras musicales más interesantes de los setenta. Resumir sus andanzas para aquellos que no estén familiarizados con el personaje es casi imposible. Baste decir que fue miembro fundador de Soft Machine, junto a Kevin Ayers, Robert Wyatt y Mike Ratledge; que de su gorro frigio extrajo, como buen prestidigitador, toda la magia y locura de la comuna-metafísico-espacial-vanguardista-bananera llamada Gong, ayudado, entre otros, por Didier Malherbe, Steve Hillage, Tim Blake y su compañera Gilli Smyth, poetisa que contribuiría decisivamente en la puesta en escena y en la creación de atmósferas lisérgicas, amén del ritual y la cosmogonía de la banda. Asentado en Mallorca, tras dejar Gong en 1973, formó parte del excéntrico colectivo de genios británicos exilados en torno al oasis idílico de la localidad de Deià. Allí grabaría uno de sus álbumes más bellos junto a un grupo sin continuidad llamado Euterpe: "Good Morning" (1976), disco inenarrable, onírico y bello, que parece haber sido compuesto para ser el soundtrack de un viaje astral, plácido y revelador. Luego seguirían otras joyas, como "Now is the Happiest Time of Your Life" (1977) o el formidable "The Owl & the Tree" (1990) con su grupo Mother Gong. Evaluando la carrera de Daevid, sopesando su formidable trabajo, repasando sus incontables discos, cuesta entender que un músico tan original y adelantado a su tiempo jamás haya disfrutado del éxito fuera de los círculos minoritarios y esotéricos que saben y entienden, y que le veneran como el músico lúcido y brillante que es. Ojalá sirvan estas líneas para que algún neófito le descubra y compre sus álbumes. El asombro está garantizado. No lo dudes: una canción de Allen te reducirá, o te convertirá en polvo dorado, y hará que pases, por un agujero, o a través del espejo, al otro lado, al igual que Alicia.

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Página oficial de Daevid Allen Página oficial de Gong
Más información en All Music Comprar discos de Daevid Allen

Just for Testing Purposes (Links found in Taringa)

Listen Bananamoon (1969) Listen "Good Morning" (1976)
Listen "Now is the Happiest Time of Your Life" (1977)
Listen "The Owl & The Tree" (1990)



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lunes, 16 de noviembre de 2009

THE SONG OF ETERNAL NUMBERS

"HIGHDOWN FAIR" IS PROBABLY THE BEST ALBUM RECORDED BY THE ITALIAN COMPOSER AND VIRTUOSO ANGELO BRANDUARDI IN THE SEVENTIES. MUSIC & POETRY HAND IN HAND.

Estoy seguro de que en más de una ocasión –sobre todo cuando los discos eran discos, y las carátulas, carátulas–, todos hemos acabado comprando el álbum de un artista o grupo desconocido basándonos en las sensaciones que nos transmite la imagen o el diseño de la portada. El papel del caramelo, vaya. Según el tipo de dibujo, la fotografía o las tipografías empleadas, uno conseguía hacerse una idea, por lo general bastante acertada, del contenido. Cuando en 1976 vi la portada de "Highdown Fair", tercer trabajo de estudio del compositor, cantante, violinista y musicólogo italiano Angelo Branduardi, supe que la música de sus surcos debía ser algo realmente excepcional; a buen seguro, próximo a la música clásica, tal vez renacentista; que sus diez temas serían frágiles como el buen cristal; que los arreglos y melodías se intuían memorables. De algún modo entendí que esa portada envolvía un contenido introspectivo, lleno de luces y de sombras. No me equivoqué. Angelo Branduardi llegó a grabar tres versiones de esta bellisima obra de arte. Una, obviamente, en italiano; una segunda, en francés; y la que nos ocupa, para el mercado anglosajón. Las tengo las tres. Y no sabría con cuál de ellas quedarme. Tal vez, por deformación, con ésta, aunque las tres son perfectas. "Highdown Fair" es un álbum de folk o música de corte tradicional que linda en algunos momentos con el rock progresivo. No dista mucho –y esto sólo son apuntes para aquellos que no conozcan a Branduardi– de algunos pasajes sutiles de la Premiata Forneria Marconi ("Dove, Quando"), o de la belleza operística de un "Canto di Primavera" de Banco. Voces, violines, guitarras clásicas, teclados, flauta, percusión y arreglos orquestales, visten composiciones aplastantemente hermosas, inolvidables. Temas que son inmediatos, ya que poseen, aun sin guardar relación con el género, la esencia del mejor pop. Todo en "Highdown Fair" es pura acuarela poética. Baste decir que el disco forma parte del acervo cultural italiano, como un "Photos of Ghost" de PFM. Y que cuando Branduardi y sus músicos atacan en directo la monumental "The Song of Eternal Numbers" –la pieza más ambiciosa del álbum–, la ovación es histórica. Este es el disco a escuchar al caer la tarde, junto al fuego, mientras la lluvia y las luces del mundo exterior crean un fascinante entramado de formas calidoscópicas en el cristal. No te lo pierdas. No te arrepentirás jamás. Y si te gusta, haz el favor de comprarlo.


Página oficial de Angelo Branduardi
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Link found in Vlasdance

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domingo, 15 de noviembre de 2009

ALVIN LEE & MYLON LEFEVRE

"ON THE ROAD TO FREEDOM", THE FIRST SOLO ALBUM OF ALVIN LEE WITH GOSPEL SINGER MYLON LEFEVRE, REMAINS AS A BEAUTIFUL CLASSIC FROM 1973. A GEM THAT YOU SHOULD LISTEN AND BUY.

En 1973, Alvin Lee, guitarra y líder de los excelentes Ten Years After, decidió que era el momento de tomarse un pequeño descanso. El cuarteto estaba en la cima y él quería probar otras cosas. Cuando surgió la oportunidad, –tras la edición de "Rock ´n´Roll Music To The World"– de colaborar con Mylon LeFevre, cantante de gospel estadounidense, no se lo pensó dos veces. Mylon había tenido el honor, a los 17 años, de que Elvis Presley grabara una de sus primeras composiciones. Y a los 19 ya había editado su primer trabajo. Fruto de la entente cordial entre Alvin y Mylon, nació "On The Road To Freedom", un disco completamente distinto de todo lo que nuestro querido guitarrista había hecho hasta el momento con TYA. De entrada, salvo algunas concesiones al rock comedido ("Fallen Angel", "Let´em say what they will" , "Riffin" o "Rockin´Til the Sun Goes Down"), el sonido es eminentemente acústico, plácido, dominado por las baladas ("Carry My Load", "So Sad"); el swing y el gospel ("The World is Changing", "Funny", "We will Shine", "I Can´t Take it") y una atmósfera de libertad creativa evidente de principio a fin. Todo en "On The Road To Freedom", y eso incluye el maravilloso tema que titula al disco, es un dechado de perfección, de buen hacer. Sonido envolvente, ritmo contenido, arreglos minuciosos, producción impecable. Y un elenco de músicos arropando a Alvin y a Mylon difícil de volver a reunir. Ahí está Hari Georgeson (George Harrison, buen amigo de Alvin), a la guitarra y slide-guitar; Steve Winwood, Rebop y Jim Capaldi (Traffic), en diversos puntos del disco; Ron Wood (Faces, Stones), en fregados y jams diversas; Mick Fleetwood (Fleetwood Mac), a la guitarra; Ian Wallace (King Crimson), a la batería; Boz Burrell (King Crimson y Bad Company), al bajo, entre otros muchos. Así que no creo que a nadie le cueste entender que este "camino a la libertad" sea una verdadera joya en todos los aspectos; un álbum de lujo que puede ser escuchado una y otra vez sin que aparezcan síntomas de hartazgo. A mí me cayó en la manos meses antes de entrar en la Universidad. Hace 36 años que lo escucho con frecuencia, y jamás me canso de él. Ha resistido el paso del tiempo de maravilla. Sigue sonando fresco y vital. Así que llegados a este punto me toca decir aquello que suelo decir en ocasiones: Hats Off, caballeros. Sombreros fuera. Y algo más: cuando estéis enamorados del disco, cosa que ocurrirá rápido, buscadlo en la primera tienda que os salga al paso. Fue reeditado por Repertoire, en 1973, con un tema extra –la versión para single de "So Sad"–, y la inclusión de letras, fotos, comentarios y anécdotas de la grabación. Lo dicho: excelente en todos los sentidos. Ni te lo pienses.

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(Link found in El Blog de Archie)

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jueves, 12 de noviembre de 2009

CREEDENCE CLEARWATER REVIVAL

SOMEONE TOLD ME LONG AGO, THERE´S A CALM BEFORE THE STORM, I KNOW! IT´S BEEN COMIN´ FOR SOMETIME...

La música de Creedence Clearwater Revival, o CCR, forma parte indisociable de la adolescencia y juventud de los nacidos en los cincuenta. Recuerdo que llegué a pulverizar los surcos de "Cosmo´s Factory" y "Pendulum" en el tocadiscos monoaural de la casa de mis padres antes de afeitarme regularmente. Y no recuerdo música posterior, ni siquiera los temas de mayor voltaje de los Stones, que me sacudieran tanto como lo hicieron "Travelin´Band", "Hey Tonight" o "Sweet Hitch-Hiker", puestos a citar sólo alguno de los muchos formidables hits de este cuarteto estadounidense. Resultaba imposible no quedar prendado de sus discos. Voces, una armónica, dos guitarras, bajo y batería, bastaban a la hora de crear un sonido –etiquetado por muchos como Swamp Rock, o Roots Rock: amalgama de elementos propios del blues, la música cajun, el rock and roll y el pop– que hacía que los pies se dispararan y el corazón acelerara su ritmo. Creo que el gran éxito de John Fogerty, voz y guitarra; Tom Fogerty, guitarra rítmica; Stu Cook, bajo, y Doug Clifford, batería, se basó en la sencillez de una ecuación que huía de artificios, arreglos inútiles o exceso de mezclas. Nunca sintieron la tentación de complicar sus temas, añadiendo algo de cuerda aquí o un arreglo de metal allá. Menos siempre será más. Su apuesta por la simplicidad; su apariencia honesta, campechana, y la fidelidad mantenida a esa norma de trabajo desde el primero hasta el último de sus álbumes, hicieron de CCR algo único. Lo cierto es que echo en falta su vitalidad, el buen humor que transmitían sus canciones, las noches con la oreja pegada a la radio cuando se editaban sus discos. Aún siguen siendo un antídoto contra la tristeza y los momentos bajos. No hay mejor compañero de camino que un buen disco de Creedence. Sombreros fuera, señores. Eran, simplemente, grandes e irresistibles.

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Página oficial de Creedence Clearwater Revisited (Stu Cook & Doug Clifford) Página oficial de John Fogerty Más información sobre CCR en All Music Comprar los álbumes de CCR

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Listen Creedence Clearwater Revival (1968) Listen Bayou Country (1969) Listen Green River (1969) Listen Willie and the Poor Boys (1969) Listen Cosmo´s Factory (1970) Listen Pendulum (1970) Listen Mardi Gras (1972) Listen CCR Live in Europe (1973)











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miércoles, 11 de noviembre de 2009

WEATHER REPORT

RECORDED IN 1977, "HEAVY WEATHER" WAS THE ALBUM THAT PUT THE NAME OF WEATHER REPORT ON THE MAP, AN ABSOLUTE FUSION CLASSIC.

Ninguna banda, a excepción de Chic Corea y sus Return to Forever, contribuyó tanto a la entronización y éxito del jazz fusión, o simplemente del jazz-rock, durante la década de los setenta, como Weather Report. El camino había sido abierto –no podía ser de otro modo–, por Miles Davies, con dos obras básicas y esenciales en la historia de la música: "In a Silent Way" (febrero de 1969) y el doble álbum "Bitches Brew" (grabado seis meses más tarde); discos que inauguraron la progresiva electrificación de la música del gran maestro. En el primero de ellos, junto a invitados de la talla de John McLaughlin, Herbie Hancock o Dave Holland, participaban Joe Zawinul (órgano) y Wayne Shorter (saxo), piedras angulares en la construcción del sonido Weather Report. El grupo ha estampado su firma a casi veinte fantásticos trabajos desde 1971 hasta la actualidad; baste recordar títulos como "Misterious Traveller" (1974), "Black Market (1976) o "Mr. Gone" (1978), considerados verdaderas joyas por los amantes del género. De todos modos, fue "Heavy Weather" (1977) la grabación que catapultó a Weather Report al estrellato consagrándoles como una formidable banda capaz de atraer a miles de personas a sus conciertos. Junto a Zawinul y a Shorter, completaban la formación tres auténticos monstruos: Jaco Pastorius, bajo; Alex Acuña, batería y Manolo Badrena, percusión. Cinco virtuosos capaces de patentar un sonido propio, lleno de ritmo, tono, color, atmósfera y paisaje, en un óleo musical tan impredecible y sorprendente como una primavera en Inglaterra y tan cargado de electricidad como una tormenta de verano. Desde el clásico "Birdland" hasta "Havona", cerrando el disco, todo en "Heavy Weather" es impecable. Una lección y un derroche. Puro delirio capaz de embotar los sentidos. En definitiva, una obra maestra imprescindible. Cómprala.



Página oficial de Joe Zawinul
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Listen "Heavy Weather"

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ERIC CLAPTON WAS HERE...

GREAT PARTY, ISN´T IT?

Talking Out Of Turn


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SPEAKING IN TONGUES

"THE RAIN IN SPAIN STAYS MAINLY...

...IN THE PLAIN" (From the film "My Fair Lady")


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